한잔의 선식

일본 연극계 풍운아 니나가와 유키오

confetti — 2011-03-21 22:11:08.0

13일 서울 중구 장충동 신라호텔 20층 접견실에서 만난 일본 연출가 니니가와 유키오 씨.

그는 "전통과 현대, 동양과 서양이 공존하는 한국에 반했다"고 말했다. 양회성 기자 yohan@donga.com

“오랫동안 한국 방문을 꿈꿔왔지만 가볍게 오고 싶지는 않았습니다. 연출가로서 터닝포인트를 맞아야할 때 그에 필요한 뭔가를 배우고 흡수하기 위해 한국을 찾아야겠다고 생각했습니다. 한국에서 이번 첫 공연이 그런 기회라고 생각합니다.”

일본 연극계 최고의 스타 연출가로 꼽히는 니나가와 유키오 씨(75)가 한국을 찾았습니다. 올해 11월 서울의 LG아트센터에서 공연될 <안토니와 클레오파트라> 사전답사를 위해서였습니다. 동일본 대지진이 발생한 다음날 주변의 만류에도 예정대로 한국에 도착한 그는 1박2일 일정으로 창덕궁과 대학로, LG아트센터를 둘러봤습니다. 당초 2박3일의 일정을 소화할 예정이었지만 후쿠시마 원전 폭발 뉴스를 접하고 “일본이 큰 위기에 빠졌는데 예술가로서 그 현장을 지켜야한다”며 하루 빨리 귀국했습니다.

귀국 직전 서울 중구 장충동 신라호텔에서 동아일보와 단독 인터뷰에 응한 그는 “전통과 현대가 공존하는 한국이 제 작품의 첫 해외공연지였던 그리스와 닮아서 많이 놀랐다”고 말했습니다. 고졸학력으로 1960년대까지 사회성 짙은 실험극 연출가였던 그는 1974년 <로미오와 줄리엣>을 시작으로 상업극에 뛰어들어 선풍적 인기를 얻었지만 일본 평단에선 이를 변절과 배반으로 간주해 그의 작품을 철저히 외면했습니다. 이런 상황을 돌파하기 위해 그가 택한 길이 해외무대 진출이었습니다.

그 첫 무대가 1983년 연극의 본고장인 그리스였습니다. 아테네 야외극장에서 공연한 <왕녀 메디아>는 남자 배우들만 기용한 파격적 연출로 유럽 전역에 초청되며 선풍적인 반응을 일으켰습니다. 이에 힘입어 그는 1987년 스웨덴의 잉마르 베르히만, 독일의 페터 슈타인과 더불어 영국 로열국립극단에 초청됐고 1999년에는 비영어권 연출가로서는 최초로 영국 로열셰익스피어컴퍼니와 손잡고 <리어왕>을 연출하는 기염을 토했습니다.

시각적 황홀경을 선사하는 그의 ‘눈의 연극’이 세계무대에서 통한 것이였습니다. 이쯤 되니 그를 외면해오던 일본 평단도 그를 인정하지 않을 수 없게 됐습니다. 2002년 영국 커맨더 훈장을 먼저 수상한 그는 지난해 건축가 안도 타다오, 디자이너 이세이 미야케 등이 수상했던 일본 문화훈장을 수상했습니다. 일본 연극계 이단아로 낙인 찍혔던 존재가 일본 연극계 최고의 간판스타로 떠오른 셈입니다.

“해외진출 전까지 저는 관객이 좋아하는 연출가 1위였지만 평론가가 싫어하는 연출가 1위이기도 했어요. 제가 상업극에 뛰어든 것은 연극을 실험극과 상업극으로 나누는 이분법의 벽을 무너뜨리고 싶었기 때문이었는데 금욕적인 평론가들은 그걸 참기 어려워했죠. 그래서 그런 선입견이 없는 외국에 가서 한번 평가를 받아보자 한거에요.”

그렇게 그는 연극에 대한 고정관념과 평생 싸워왔다고 해도 과언이 아닙니다. 소극장 실험극과 대극장 상업극의 이분법을 무너뜨렸을 뿐 아니라 스타 마케팅에 대한 고정관념도 무너뜨렸습니다. 연기훈련을 시킬 때 재떨이를 집어던지는 '호랑이 조련사'로 악명이 자자함에도 불구하고 후지와라 다쓰야, 오구리 슌, 아오이 유 같은 아이돌 스타를이 그의 연극에 출연하기 위해 줄을 서는 기현상을 일으켰습니다.

“처음부터 아이돌이니까 안돼 라는 생각도 또 다른 폭력입니다. 아이돌 중에서도 재능이 있고 열심히 하는 친구가 있다면 기회를 줘야죠. 전 오히려 아이돌 출신의 치열한 삶을 높이 삽니다. 마찬가지로 무명배우들에게도 기회를 주기위해 ‘넥스트 씨어터’라는 극단도 운영하고 있습니다.”

그만큼 그에게서는 예술가연하는 엘리트 의식을 찾아보기 힘들었습니다. 자신이 옳다고 믿는 것은 세상이 뭐라하든 끝까지 밀어붙이는 강골 기질만큼이나 이웃집 할아버지처럼 소탈한 서민의식도 심심치않게 엿보였습니다. '당신이 걸어간 길을 따라 걸으려는 후배 연극인들에게 해주고 싶은 말이 있다면'이란 질문에 대해 "내가 요즘 젊은이라도 나같은 늙은이 말은 귀담아 듣지 않을 것"이라고 극구 사양했습니다. '그래도 한 마디만 해달라'는 거듭된 요청에 그는 정말 한마디만 남겼습니다. "하고 싶은 거 하며 살아라."

최근 일본에서도 큰 인기를 얻고 있는 ‘소녀시대’와 ‘카라’를 아느냐는 질문에 칠순의 노인은 이렇게 답했습니다. “당연하다. 난 평균적 대중과 똑같은 음악을 듣는다." 다른 아이돌 스타들처럼 그들이 당신의 연극에 출연하고 싶어한다면 어떻게 하겠느냐는 질문에 대해선 "연기에 재능만 있다면 그들도 언제든 환영”이라고 말했습니다. 셰익스피어 연극에 주력하는 이유에 대해서도 “그의 작품에는 객석에 앉아있는 관객의 세계가 반영돼 있기 때문”이라고 답했습니다.

“객석에는 권력자도 앉지만 인텔리도 있고 상인도 있고 하층민도 있어요. 셰익스피어 작품에는 그 모든 계급이 등장합니다. 무대 밖의 세계가 다 들어가 있는 거죠. 전 그런 다원성이 좋아요. 엄선된 요리만 내놓는 프랑스 코스요리 보다는 온갖 반찬을 한꺼번에 내놓은 한국밥상이 더 좋듯이.”

스스로를 'B급 구르메'(서민적 식도락가)라고 부르는 그는 한국음식문화에 한껏 반했다면서 이번 방한을 계기로 7개월간 한국을 열심히 공부해 한국과 자신의 접점을 찾아나가겠다고 말했습니다. 클레오파트라 역으로 일본 여성극단 다카라즈카의 스타로 자신이 재일교포 3세임을 밝힌 아란 케이를 출연시키는 것도 그 연장선상에 있다고 강조했습니다. 과연 한국에서 첫 공연이 그리스에서 첫 공연에서처럼 그의 연출인생에 또 다른 전환점을 가져다줄지 함께 지켜볼만할 것 같습니다. 예약문의 02-2005-0114

드래곤 vs 해바리기

confetti — 2011-03-16 20:55:21.0

재일교포의 애환을 웃음과 눈물로 그린 연극 <야끼니꾸 드래곤>에서 곱창집 주인 용길 역의 신철진 씨와 부인 영순 역의 고수희 씨. 예술의전당 제공

대지진이 일본 열도를 강타하기 이틀 전 서울을 대표하는 두 공연장 무대에 한일 공동제작 연극이 나란히 올랐습니다. 한국 예술의전당과 일본 신국립극장이 2008년 공동 제작한 <야끼니꾸 드래곤>과 재일교포가 중심 된 일본 극단 신주쿠양산박과 한국 스튜디오 반이 공동 제작한 <해바리기의 관>입니다. 전자는 서울 예술의전당에서 20일까지 공연하고, 후자는 13일 세종문화회관 M씨어터에서 공연을 마치고 19, 20일 전주대 아트홀에서 3회 공연을 펼칩니다. 공교롭게도 두 작품 모두 재일한국인(자이니치)의 신산한 삶을 그려낸 작품입니다.

자이니치 2세 극작가 정의신 씨가 쓰고 연출한 <야끼니꾸 드래곤>은 1960년대 말 70년대 초 일본 관서지방 소도시 자이니치 집단 거주지를 무대로 합니다. 야끼니꾸 드래곤은 일본인들이 싫어서 내다버리는 소와 돼지의 내장을 수거해 요리해 팔던 재일교포1세 용길이(신철진)네 곱창집의 별호입니다. 주요 등장인물은 이 용길이네 가족들과 단솔 손님들입니다.

이들은 조그마한 일로도 목소리 높이고 다투기 바쁩니다. 강제로 끌려왔건만 취업도 제대로 할 수 없는 자이니치의 현실에 대한 울분을 같은 동포에게 쏟아 붓기 일쑤입니다. 국유지를 불법 점유했다는 이유로 30년 가까운 삶의 터전을 뺏길 위험에 처해선 결사항전의 목청을 높이지만 몸은 장기판 앞을 떠날 줄 모릅니다. 모두들 시궁창 냄새가 나는 그곳을 떠나겠다고 큰소리치면서도 어떤 이들은 돈 때문에, 어떤 이들은 정 때문에 얽히고설켜서 살아갑니다.

분명 안쓰럽고 딱한 삶이건만 가까이서 지켜보면 온통 코미디입니다. 학교만 갔다오면 지붕 위에 올라가 동네를 내려다보기 좋아하는 용길의 중학생 외동아들 도키오(와카마츠 치카라)는 웃음과 노래로 범벅이 된 이 인생희극의 사회자입니다. 관객들은 도키오의 안내를 받아 징용으로 일본에 끌려와 한 팔을 잃은 용길과 제주 4.3사태를 피해 일본으로 건너온 영순(고수희) 부부 사이에서 복잡하게 얽힌 1남3녀의 가족사와 주변인물들의 내력을 이해하게 됩니다.

그 중심에는 부모의 반대를 무릅쓰고 제 짝을 찾아가는 용길이네 세 딸의 러브 스토리가 있습니다. 남편을 따라 북한, 남한, 일본으로 뿔뿔이 흩어지는 세 딸을 떠나보낸 뒤 리어카를 끌고 새 삶을 찾아 떠나는 용길과 영순 부부는 확실히 뮤지컬 <지붕 위의 바이올린'(Fiddler on the Roof)>를 떠올리게 합니다.

뮤지컬 <지붕 위의 바이올린>의 라이선스 공연에서 러시아계 유대인 테비에 역의 노주현 씨.

<지붕 위의 바이올린>의 유대인 부부 역시 러시아 우크라이나에서 이방인으로 살다가 세 딸을 시집보낸 뒤 정든 삶터를 떠나면서도 희망을 잃지 않습니다. 그런 점에 <야끼니꾸 드래곤>은 자이니치 판 <지붕 위의 바이올린>이라고 할 수 있습니다. 단 뮤지컬 속 바이올리니스트(fiddler)는 결코 포기할 줄 모르는 유대인들의 희망을 상징하지만 연극에서 그에 해당하는 도키오는 자이니치들의 지워지지 않는 상흔을 상징합니다.

아쉬움도 있습니다. 극작가가 연출을 맡다보니 자신이 하고자 한 이야기에 너무 충실하다보니 중간에 미학적 긴장을 놓치는 순간이 많았습니다. 2008년보다 공연시간이 30분이나 더 늘어났다고 하는데 물리적 시간보다는 그 시간의 얼레를 감고 땡기는 연출의 노련함이 못내 아쉬웠습니다. 사실상 극의 주인공인 아버지 용길의 존재감이 어머니 영순 등 다른 인물들의 강렬한 개성에 가려진 점도 좀더 보완됐으면 하는 아쉬움이 있습니다.

<해바라기의 관>에서 일본인 유부남과 동거하기 위해 가출한 어머니의 부재로 고통받은 재일교포 가족들.

왼쪽부터 아들 영민(히로시마 코) 딸 영귀(이마무라 요시노) 아버지(정진각). 스튜디오 반 제공.

역시 자이니치 2세인 유미리 작, 김수진 연출의 <해바라기의 관>은 그 도키오가 한 세대 뒤에 마주하게 될 현대적이고 비극적인 자이니치 가족사를 노래합니다. ‘해바라기의 관’은 무능한 아버지를 대신해 돈을 벌기 위해 호스티스가 된 어머니가 일본인 유부남과 살기 위해 집을 나가면서 해체되어가는 자이니치 가족의 짙은 상실감이 담겼습니다.

연극엔 등장하지 않는 어머니는 어쩌면 <야끼니꾸 드래곤>에서 클럽에서 노래를 부르다 일본인과 결혼하는 막내딸 미카(주인영)의 비극적 미래상 아닐까요. 수의대에 합격하고도 의대생이 되기 위해 재수생이 된 맏아들 영민(히로시마 코)은 <야끼니꾸 드래곤>의 도키오가 사립중학교를 졸업했을 때 모습 아닐까요. 어린시절부터 좋아했던 남자친구와 맺어지지 못하고 오빠의 친구로부터 성폭행을 당하는 딸 영귀(이마무라 요시노)는 <야끼니꾸 드래곤>의 맏딸 시즈카(아와타 우라라)를 닮았습니다. 시즈카는 어린 시절 사고로 결별했던 첫사랑과 우여곡절 끝에 결합하지만 북한행을 택하는 비극의 여주인공입니다.

작품의 제목인 해바라기의 관은 연극 속 가족이 사는 고물상 터가 원래 해바라기 밭이었던 데서 유래합니다. 영민과 영귀 남매는 그 공간이 해바라기가 무성했던 어린 시절 단란해던 가족에 대한 그리움을 갖고 있습니다. 그래서 그곳에서 자신들의 꿈을 묻고 절망에 몸부림칩니다. 시적인 대사와 에너지 넘치는 배우들의 연기는 꽤 단단합니다. 하지만 해바라기 밭이 그들 청춘의 무덤으로 바뀌는 순간이 극적 비약이 너무 갑작스럽습니다. "원래 젊은이들의 죽음이 그렇게 급작스럽지 않느냐"는 말들을 많이 합니다. 하지만 이를 극의 초반이나 중반이면 모를까 결말에까지 적용하는 것은 작품의 완성도를 깎아내리게 됩니다.

우리는 해학적인 <야끼니꾸 드래곤>이 사실상 비극적인 <해바라기의 관>으로 귀결됐음을 잘 알고 있습니다. 하지만 예술적 완성도에선 유 씨가 20대 초반에 발표한 <해바라기의 관>에 비해 정 씨가 50대 초반에 발표한 <야끼니꾸 드래곤>이 더 앞섭니다. 어떤 비극이 기다리고 있다 하더라도 삶을 포기하지 않는 것, 그것이 인생이기 때문입니다. “봄바람에 벚꽃 잎이 휘날리고… 기분 좋다. 이런 날은 내일을 믿을 수가 있지, 설령 어제가 어떤 날이었든지. 내일은 꼭 좋은 날이 올 것 같은 기분이 들어…”라는 용길의 가슴 뭉클한 대사처럼.

:i: <야끼니꾸 드래곤>은 3만~5만 원. 02-580-1300. <해바라기의 관>은 2만 원. 063-220-3240

간바레 닛폰! 스바라시 닛폰!

confetti — 2011-03-15 11:11:34.0

일본은 본디 한국의 형제국입니다.

유전자 분석을 봐도 일본인은 몽골인보다 한국인에 더 가깝습니다.

언어학적으로도 일본어와 한국어는 같은 뿌리에서 나온 언어입니다.

역사적으로도 일본은 대륙부여(부여)-반도부여(백제)-열도부여(일본)으로 이어지는 부여계 형제국입니다.

몇 년전 터키에서 큰 지진이 나서 동아일보에서 터키돕기 운동을 펼칠 때 터키사람들이 한국을 "형제의 나라"라고 부르며 감동하던 것이 떠올랐습니다. 저 멀리 유럽에 있는 동이계통의 후손들에게도 우리를 형제라고 부르는데 왜 가장 가까운 일본사람들을 형제로 부르지 못한단 말입니까.

악연도 많았지만 요하문명을 계승해 현대까지 이르른 민족국가로 한국과 일본만한 국가도 드뭅니다. 그런 형제가 참혹한 재해로 고통을 받고 있는데 "잘 됐다"거나 "벌 받은 것"이라는 식의 발언을 일삼어서야 되겠습니까. 오히려 그토록 압도적 재해 앞에서도 인간에 대한 예의를 잃지 않는 일본의 형제들에게 "스바라시!"(대단해요!)라고 격려와 찬사를 보내야 하지 않겠습니까. 그런 의미에서 일본사람들을 만날 때마다 "간바레 닛폰(힘내라 일본)", "스바라시 닛폰(대단해요 일본)"이란 말을 건네는 운동을 펼칩시다.

게릴라와 게이의 그랑 파드되

confetti — 2011-03-12 12:07:01.0

1970년대 아르헨티나 감옥을 무대로 게릴라와 게이의 슬픈 사랑을 그린 <거미여인의 키스>.

왼쪽부터 게릴라 발렌틴 역의 최재웅 씨와 게이 몰리나 역의 정성화 씨. 악어컴퍼니 제공

<거미여인의 키스>는 동성애자(게이)의 슬픔을 다룬 연극이다?

연극 연작 기획 '무대가 좋다'의 일곱 번째 작품으로 공연 중인 이 연극을 보면서 이런 통념에 강한 의문이 들었습니다.

연극은 군부독재가 한창이던 1970년대 남미 아르헨티나의 감옥이 배경입니다. 죄수는 둘. 한 명은 게릴라 반군으로 붙잡힌 정치범 발렌틴(최재웅), 다른 한명은 동성애자인 몰리나(정성화). 물과 기름처럼 어울리지 않는 두 죄수가 펼치는 애증의 드라마가 극의 뼈대입니다.

원래 이 작품은 마누엘 푸익이 1976년 발표한 동명 소설을 원작으로 합니다. 2명의 죄수가 등장하는 2인극이란 점에서 1974년 발표된 남아공 극작가 아돌 푸가드의 연극 '아일랜드'를 닮았습니다. 두 작품은 남반구에 위치한 두 대륙의 1970년대 어두운 역사를 고발하는 정치극이라는 공통점을 지닙니다.

남아공 감옥을 무대로 한 2인극 <아일랜드>의 2009년 공연. 왼쪽부터 조정석, 양준모 씨

전자가 남아메리카 대륙 최남단 아르헨티나 군부독재(훈타)의 추악함을 폭로한다면 후자는 아프리카 최남단 남아공의 인종차별정책(아파르트헤이트)에 대한 저항 정신을 북돋은 작품입니다. 이로 인해 발표된 직후 해당국가에서 불온작품으로 낙인이 찍힌 작품이기도 합니다. 재밌는 점은 '아일랜드'에선 두 죄수가 함께 연극공연을 준비한다면 '거미여인의 키스'에선 몰리나가 발렌틴에게 들려주는 에로틱 스릴러 영화가 극을 끌고 가는 주요 동력이 된다는 점입니다.

<아일랜드>에 등장하는 연극은 국가권력에 저항하는 오이디푸스의 딸을 주인공으로 한 그리스 비극 <안티고네>입니다. '거미여인의 키스'에 등장하는 영화는 <캣 피플>로 보입니다. 제 기억 속 영화는 나스타샤 킨스키 주연의 1982년 작인데 자료를 찾아봤더니 1942년에 제작된 B급영화가 원작이더군요.

나스타샤 킨스키가 주연한 영화 ‘캣 피플’의 DVD 재킷 사진

  <캣 피플>은 인간과 사랑을 나누면 야생 표범으로 변해 사람을 죽이는 표범인간의 치정극(癡情劇)입니다. <거미여인의 키스>에서 몰리나는 자기가 동네영화관에서 본 이 영화의 줄거리를 다섯 번에 나눠서 들려줍니다. 물론 자기 멋대로의 상상을 가미했기 때문에 부정확한 부분이 많습니다. 예를 들어 영화 속 여주인공이 트란실바니아(루마니아 령) 출신이라고 말하는데 실제론 세르비아(옛 유고 령) 출신입니다. 작가가 일부러 '드라큘라'의 내용과 뒤섞어 실재 영화인지 몰리나의 상상 속 영화인지 헷갈리도록 한 것입니다.

  바로 이 지점에서 '거미여인의 키스'는 전통 정치극이라 할 수 있는 아일랜드와 차별화된 서사를 펼칩니다. 1970년대만 하더라도 선정적 B급영화를 읊조리는 게이는 전통적 정치담론이라면 외면 받아 마땅할 '천박한 존재'입니다. 연극에서 민중혁명을 꿈꾸는 발렌틴이 가장 밑바닥 존재인 몰리나를 경멸하는 것도 그 연장선상에 존재합니다. 게다가 몰리나는 교도소장이 고문에도 조직의 비밀을 발설하지 않는 발렌틴에게 접근해 정보를 캐오도록 잠입시킨 끄나풀입니다.

  그렇게 극과 극의 존재가 만나 스파크를 빚어내고 그것이 파멸이 아니라 뜨거운 인간애로 꽃피는 것이 이 작품의 진짜 매력입니다. 그런 맥락에서 이 작품은 '게이와 게릴라의 그랑 파드되'라고 부를만합니다. 이지나 씨가 연출한 이번 작품을 보면서 진정 아쉬웠던 것은 그럼에도 불구하고 작품에선 게이만 보이고 게릴라가 보이지 않더라는 점입니다.

전투적인 게릴라와 순종적인 게이가 서로를 이해하면서 혁명을 위한 혁명이 아니라 사랑을 위한 혁명을 꿈꾸게 된다.

이 연극은 게이 연극이 결코 아닙니다. 게이와 게릴라의 연극입니다. 여기서 게이는 사랑을, 게릴라는 혁명을 상징합니다. 그런데 혁명의 분노와 열정은 희화화되고 애틋한 사랑만 부각됩니다. 그러다 보니 양자의 상호작용은 간과되고 게이의 사랑의 승리만이 찬미됩니다. 그 결과 게릴라가 게이의 사랑에 감복해 금기를 넘어서는 것도 게이가 게릴라를 위해 목숨을 바치는 것도 모두 사랑 때문이라는 평범한 멜로드라마로 귀착되고 맙니다.

  1970년대 게릴라나 게이는 모두 기존질서를 어지럽히는 '불온한 존재'였습니다. 연극의 원작소설은 분명 이를 겨냥하고 있습니다. 게릴라를 통해선 당시 익숙한 정치적 자유에 대한 메시지를 전달하면서 작가는 한발 더 나아가 그 자유가 보편성을 지향한다면 사회적 소수자로서 게이의 자유까지 포괄해야함을 역설하고 있는 것입니다. 이 작품의 급진성은 그렇게 주류인 게릴라의 이념을 넘어 비주류인 게이의 현실을 꿰뚫는 데서 비롯합니다.

  연극은 이런 역사적 맥락을 간과하고 이젠 익숙한 게이의 휴먼스토리에만 집중합니다. 이빨 빠진 게릴라는 때론 시대착오적 존재로 희화화되거나 게이의 사랑이 그럴듯하게 보이도록 '백마 탄 왕자'처럼 멋지게만 그려집니다. 하지만 이런 연출이야말로 시대착오적입니다. 지금은 오히려 게이가 주류이고 게릴라가 비주류인 세상입니다. 그런 세상에서 게이를 앞세우고 게릴라를 뒷전에 세워버리면 원작의 파격적 주제의식도 약해질 수밖에 없습니다.

  1970년대 이 작품을 봤더라면 정글의 땀 냄새와 싸구려 향수 냄새가 뒤섞여 관객을 울렁거리게 만들었을 겁니다. 하지만 체 게바라가 패션상품이 되어버린 우리 시대의 연극은 박제가 되어버린 게릴라의 포르말린 냄새에 고급스러운 이미지로 재탄생한 게이의 고급향수 냄새만 풍기고 있습니다. 사람들이 이 연극을 보면서 40년 전에 느꼈을 그런 전율을 느낄 수 있을까요?

                                       <거미여인의 키스> 공연 컨셉 사진.

   이 작품에서 게이와 게릴라의 균형이 왜 중요한지를 다른 방식으로 설명 드려 보겠습니다. 프랑스 철학자 질 들뢰즈는 사람들이 세상의 질서에 저항하는 방식을 크게 둘로 분류했습니다. 하나는 세상이 정한 규범을 대놓고 무시하는 가학적 방식(사디즘)이고 다른 하나는 철저한 복종을 통해 오히려 규범을 우스꽝스럽게 만들어 조롱하는 피학적 방식(마조히즘)입니다.

  연극 속 게릴라 발렌틴은 군부정권의 독재에 온몸으로 저항하는 적극적 반항아입니다. 가족과 사랑하는 연인을 희생하는 한이 있더라도 군부정권을 끝장내고 말리라는 그는 부러질지언정 굽히지 않겠다는 지사(志士)의 풍모를 지녔습니다. 그런 의미에서 발렌틴은 부도적한 세상에 맞서 싸우는 사디즘의 전사입니다.

반면 게이 몰리나는 동성애자를 혐오하는 세상의 편견을 못 견뎌 하면서도 그것을 안으로만 삭히는 소극적 반항아입니다. 발렌틴을 사랑하게 된 것도 교도소장의 부당한 명령을 충실히 이행하는 과정에서 벌어진 것입니다.

감옥에서 풀려난 몰리나가 은밀히 발렌틴을 도울 때조차 모범적 시민의 본분을 잊지 않습니다. 심지어 발렌틴이 부탁한 접선이 들통 날 위기에 처했을 때조차도 그는 경찰의 총에 맞아죽기 보다는 게릴라의 총에 맞아죽는 길을 택합니다. 그런 점에서 몰리나는 마조히즘의 방식으로 세상과 대결하는 존재입니다.

   마르크시즘으로 무장한 엘리트 지식인 출신의 게릴라로 분한 최재웅 씨.

  이런 대조적 성향은 그들이 불러일으키는 웃음에서도 발견됩니다. 사디즘은 표면과 내면의 차질을 비집고 들어가는 풍자적 아이러니로 웃음을 빚어냅니다. 몰리나가 기억과 환상을 뒤섞은 영화 이야기를 들려줄 때마다 그 이야기에 내재된 반어적 상황을 냉소적으로 비트는 발렌틴의 웃음코드가 바로 그러합니다. 예를 들어 같은 게이가 아니라 '진짜 남자'를 좋아한다는 몰리나에게 발렌틴은 이렇게 응수합니다. "네가 나보다 훨씬 더 남자답잖아."

   반대로 마조히즘은 상대의 불합리한 요구 앞에 철두철미한 복종을 펼침으로써 상대를 우스꽝스럽게 만드는 유머를 통해 웃음을 빚어냅니다. 남자에게 복종하고 굴종당하는 여자가 되지 말라는 발렌틴의 설교를 들은 몰리나는 이렇게 응수합니다. "이건 여자만 아는 비밀인데, 네가 알아야 될 것 같아서 말해줄게. 잘 들어. 남자의 매력은 내가 그 남자에게 안겨있을 때 약간 두려움을 느끼게 해줄 수 있는 강함에서 시작 되는 거야."

  자 이제 아시겠습니까. 이 연극은 적극적 저항가로서 게릴라(투쟁)와 소극적 저항가인 게이(사랑)의 두 날개로 날아갈 때 비로소 빛을 발하는 작품인 것입니다. 따라서 과거엔 더 소수자였던 게이(몰리나)에 초점을 맞춰다 하더라도 지금은 오히려 멸종위기에 처한 게릴라(발렌틴)에게 초점을 맞춰야 그 균형을 유지할 수 있습니다.

섬세한 몸짓과 목소리로 근육질 몸매의 게이 역을 소화한 배우 정성화 씨.

물론 관객의 관심은 온통 게이 역할을 하는 배우에게 쏟아질 수밖에 없습니다. 그동안 무대에서 코믹하거나 우직한 남성적 배역을 주로 소화해온 정성화 씨의 섬세한 게이 연기는 소름 끼칠 만큼 강렬했던 것이 사실입니다. 하지만 그럴수록 발렌틴은 비록 외모는 여성적이라도 정글에서 방금 튀어나온 것 같은 야수성을 물씬 풍길 필요가 있습니다. 하지만 최재웅 씨는 요즘 각광받는다는 '까도남'에 더 가깝게 느껴졌습니다.

  한 가지 더 아쉬운 것은 무대가 보여준 공간 감각이었습니다. 비좁은 감옥이라고 하기엔 무대가 너무 넓게 느껴졌습니다. 감옥이라기보다는 무슨 호텔방 같다는 느낌이 들었습니다. 폐쇄 공포증을 느낄 정도로 밀착된 공간이 조성될 때 원작의 팽팽한 긴장감이 밀도 있게 살아나지 않았을까요. 무대가 크더라도 조명효과를 좀더 입체적으로 살렸더라면 두 주인공의 내면연기가 좀더 살아날 수 있었을 텐데 조명이 너무 밋밋하게 쓰인 점도 아쉬웠습니다.

   박은태 씨가 몰리나 역으로, 김승대 씨가 발렌틴 역으로 번갈아 출연. 3만~5만 원. 4월17일까지 서울 종로구 대학로 아트원씨어터 1관. 02-764-8760

공연에 대한 고정관념을 포맷하라!

confetti — 2011-03-10 14:33:40.0

지하철 2호선 홍대입구역 2번출구에서 KT&G상상마당까지를 이동하며 독특한 신체 퍼포먼스를 펼칠 오스트리아 연출가 빌리 도르너의 이전 작품 이미지들. 익숙한 도시공간을 낯설게 만드는 사이트 스페시픽 공연이다. 페스티벌 봄 제공

#1.프랑스 현대무용가가 2차대전 이후 일본에서 탄생한 전통춤 부토를 나 홀로 연구합니다. 실제 부토는 보지 않고 책을 읽거나 인터넷을 검색을 통해 얻은 알 듯 말 듯 한 설명을 바탕삼아 기괴하고 우스꽝스런 동작을 펼쳐냅니다. 그리하여 ‘부토 아닌 부토’가 탄생한다. (그자비에 르 루와, <다른 상황의 산물>))

프랑스 안무가 그자비에 르 루와의 부토 따라잡기 프로젝트, <다른 상황의 산물>

#2. 한적한 일요일 오후 당신은 텅 빈 청계천 세운상가 주변 골목에 홀로 섭니다. 헤드폰에서 들려오는 지시를 따라 천천히 이동하면서 세운상가를 건축한 김수근 씨가 꿈꿨던 ‘미래의 유토피아’가 한 세대가 지난 뒤 어떻게 누추한 현실이 됐는가를 확인하게 됩니다. 당신이 만나는 그 풍경에는 연출된 것과 그렇지 않은 것이 뒤섞여 있습니다. (서현석, <헤테로토피아>)

텅 빈 세운상가 골목에서 '오래된 미래'를 마주한다. 서현석, <헤테로토피아>

#3. 이번엔 창덕궁 근처의 한 한옥으로 초대됩니다. 푸른 눈의 이방인이 최근 실종된 그 집주인 ‘박잉란’에 대한 이야기를 펼쳐놓습니다. 사진과 가구, 기념품들에서 6·25전쟁 때 이산가족이 됐고 격동의 근현대사를 온몸으로 살아온 박씨의 인생역정이 절절히 담겼습니다. 하지만 어느 순간 박 씨의 이름이 창덕궁 근처 주차장의 영어표지판(Parking Lot)의 한글표기임이 드러납니다. 도대체 어디까지가 진실이고 어디까지가 거짓일까요.(한스페터 리처,<웃는 소를 기다리며>)

흑백사진 속의 어린이는 과연 우리 기억에 각인된 한국인의 원형과 얼마나 가까울까.

한스페터 리처,<웃는 소를 기다리며>

당신이 생각하는 공연예술에 대한 고정관념을 아예 새롭게 포맷해주는 페스티벌 봄이 22일~4월17일 27일간 13개국 23개 작품을 몰고 상륙합니다. 올해 5회를 맞는 이 축제는 가장 전위적 공연예술계 쇼윈도로 각광받으면서 공연계를 넘어서 미술계 건축계 광고계 패션계 의 핫 아이템으로 자리매김하고 있습니다. 지난해 4월 봄을 통해 국내 소개됐던 태국 영화감독 아삐찻뽕 위라세타꾼의 <분미 아저씨에게 보내는 편지>가 한 달여 뒤 칸영화제 황금종려상을 수상하는 기염을 토하기도 했습니다.

올해는 특히 극장 밖의 특정 장소와 결합한 사이트-스페시픽(site specific) 공연과 영화와 연극을 결합한 작품이 많습니다. <헤테로토피아>와 <웃는 소를 기다리며>가 전자를 대표한다면 벨기에 극단 베를린의 <태그피시>는 후자를 대표합니다. 독일의 버려진 철강산업단지 재개발 프로젝트 관련 인사의 개별 영상인터뷰를 교묘히 편집해 그 복마전의 상황을 연극적으로 재구성했습니다. 영화 스크린으로 영화관 밖의 상황을 틀어주는 독일작가 클레먼스 폰 베데마이어의 <반대편으로부터>와 영화 프랑켄슈타인의 괴물 배역 캐스팅과정을 연극화한 헝가리 영화감독 코르넬 문드루초의 <프랑켄슈타인 프로젝트>도 이에 해당합니다.

유네스코 세계문화유산으로 지정된 독일 산업단지 재개발의 이면을 파헤친 <태그피시>.

개별 인터뷰한 영상을 편집해 관련인사들의 원탁토론을 연출해냈다.

북한을 소재로 한 작품 두 편도 눈길을 끕니다. 김황 씨의 <모두를 위한 피자>는 북한에선 특권층 음식인 피자의 조리법을 DVD로 만들어 북한사회에 들여보낸 뒤 6개월간 북한주민들이 보내온 사진과 편지, 유투브 동영상 등을 엮은 퍼포먼스 공연입니다. 독일 개념미술가 디르크 플라이슈만 씨의 <나의 패션쇼>는 개성공단에서 자신의 이름을 딴 셔츠를 주문 생산해 남한에서 장당 20만원씩 팔아 돈을 버는 ‘자본주의 따라잡기’ 결과 보고회입니다.

김황, <모두를 위한 피자>

전위예술계 거장들의 작품도 빼놓을 수 없습니다. 독일 연극의 탈(脫)드라마화의 아버지로 불리는 르네 폴레슈의 <사회적 맥락이여, 당신의 눈동자에 건배!>는 세계금융위기의 원인을 신체극과 강연극으로 풀어낸 작품입니다. 지난해 암으로 숨진 독일 실험영화의 거장 크리스토프 슐링겐지에프 회고전(5편)과 미국 다큐멘터리 영화의 거장 에롤 모리스가 미군의 이라크 포로학대를 다룬 <작전규정>도 놓치면 아까울 작품입니다. 02-730-9617. www.festivalbom.org

'독일 탈드라마극의 아버지' 르네 폴레슈의 공연으로 국내 첫선을 보이는 <현혹의 사회적 맥락이여, 당신의 눈동자에 건배!>

<페스티벌 봄 주요 공연작>

작가와 제목

시간 장소

르네 폴레슈

<현혹의 사회적 맥락이여, 당신의 눈동자에 건배!>

22,23일 오후 8시

8시 서강대 메리홀 대극장

오카다 도시키

<핫페퍼, 에어컨 그리고 고별사>

24일~25일 오후 8시, 26일 오후 3시

백성희장민호극장

한스페터 리처

<웃는 소를 기다리며>

25일 오후 7시 8시 9시 26~27일 오후 3시 4시 5시

28일~4월1일 오후 7시 8시 9시 서울 종로구 원서동 가정집

에롤 모리스

<작전규정>

27일 오후 1시, 4월4일 오후 7시

씨네코드 선재

극단 베를린

<태그피시>

29, 30일 오후 8시

백성희장민호극장

그자비에 르 루와

<다른 상황의 산물>

4월1일 오후 8시, 2일 오후 4시

백성희장민호극장

디르크 플라이슈만

<나의 패션쇼>

4월2일 오후 7시, 3일 오후 3시

아르코예술극장 대극장

서현석

<헤테로토피아>

4월3일 오후 1시 2시 3시 4시 5시

지하철 2호선 을지로 3가역 5번출구

클레멘스 폰 베데마이어

<반대편으로부터>

4월3일 오전11시, 4월10일 오전 11시

씨네코드 선재

임민욱

<불의 절벽>

4월5일,6일 오후 8시

백성희장민호극장

코르넬 문드루초

<프랑켄슈타인 프로젝트>

4월8일 오후 8시, 4월9일 오후 2시, 7시

문래동 PC방

빌리 도르너

<KT&G상상-도시 표류>

4월9일, 10일 오후 3시

지하철2호선 홍대입구역 2번 출구~KT&G상상마당

김황

<모두를 위한 피자>

4월10일 오후 5시, 11일 오후 8시

서강대 메리홀 소극장

크리스토프 슐링겐지에프

회고전

4월14~17일

씨네코드 선재

바르바라 마티예비치

&주세페 치코

<나는 1984 I am1984>

4월16일 오후 5시, 4월17일 오후 3시

국립극단 소극장 판

아미시 프로젝트? 아미시 솔루션!

confetti — 2011-03-08 16:58:52.0

현대인을 병들게 하는 폭력과 복수의 악순환에 대한 미국 아미시 사람들의 감동적 해법을 보여주는 <아미시 프로젝트>. 아미시 전통복장으로 관객을 맞는 안나(정지은)와 벨다(이두리)가 빚어내는 십자가 형상이 의미심장하다.

뮤지컬해븐 제공

복수는 달콤합니다. 아니 그렇다고 믿어집니다. TV모니터와 스크린을 보십시오. 온통 인간 같지 않은 이들에 대한 복수극으로 넘쳐나지 않습니까. 특히 '영상대국' 소리를 듣는 대한민국의 스크린은 끔찍할 정도입니다. <올드 보이>를 필두로 한 박찬욱 감독의 복수극 3부작 이후 한국의 스크린은 ‘표현의 자유’란 전가의 보도를 휘두르며 “복수는 나의 것”을 열창하기 바쁩니다. <추격자>를 거쳐 <아저씨>와 <악마를 보았다>까지 복수에 대한 집착은 이제 거의 병적인 수준에 이르렀습니다.

도대체 왜 이 지경이 된 걸까요? 먹물 좀 든 사람들은 정의에 굶주려서라고 합니다. 현실에선 늘 유보되는 정의실현을 사적인 복수극을 통해 대리만족시키려 한다는 것이죠. 가소로운 소리입니다. 그럼 과거의 대한민국이 현재의 대한민국보다 정의로웠다는 말입니까.

그보단 정의를 빙자해 복수의 짜릿함을 느끼려는 대중의 금지된 욕망을 묶어둔 봉인이 풀어졌다고 봐야하지 않을까요. 현대인들이 갈수록 복수를 열망하는 것은 그것이 금지됐기 때문입니다. 법의 지배가 확립된 근대 이후 사적인 복수는 허용되지 않습니다. 법이라는 제3자가 그걸 대신해줄 뿐입니다. 불충분하게. “나는 욕망한다, 내게 금지된 것을”이라는 명제는 복수에도 적용됩니다.

하지만 우리의 병든 스크린이 보여주듯 그 금지된 욕망은 만족을 모릅니다. 복수는 복수를 부르기 마련이고, 복수의 대상을 잡아먹고 자신까지 잡아먹는 게 복수의 법칙입니다. 복수는 정의의 가장 저열한 형태입니다.

아내와 두 아들을 둔 우유배달부 에디(지현준)는 아미시 소녀들에 대한 불가해한 집착에 빠져 아미시 학교에 침입해

인질극을 벌이다 끝내 꽃잎을 하나하나 따듯 여학생들을 총으로 쏴 죽이고 자살한다.

극단 C바이러스의 연극 <아미시 프로젝트>(제시카 딕키 작, 이현정 연출)는 이렇게 ‘복수 바이러스’가 골수까지 파고든 한국사회에 ‘용서의 백신’이 얼마나 고귀한 것인지를 일깨워 준다. 연극은 2006년 미국 펜실베니아 주의 한 아미시 마을에서 일어났던 충격적 실화를 토대로 합니다.

사건은 공연 내내 수 없이 반복되는 한줄 대사로 요약됩니다. “한 남자가, 아미시 학교에 들어가, 총을 쐈다.” 그 총기난사로 여섯 살에서 열여섯 살 사이 여학생 다섯이 죽었고 범인은 현장에서 자살합니다. 선정적 뉴스에 목 마른 언론은 이 사건을 놓고 흥분합니다.

아미시가 누구입니까. 해리슨 포드 주연의 영화 <위트니스>로 널리 알려진 아미시는 1600년경 유럽의 종교박해를 피해 신대륙으로 피난 온 기독교 재세례파의 분파 또는 그 신자들을 말합니다. 이들은 현대문명을 배격하고 농촌공동체의 전통적 삶을 유지하려는 독특한 생활방식으로 대중적 관심을 받아왔습니다. 아미시는 검은색 계통의 검소한 옷을 입고 독일어와 네덜란드어가 섞인 방언을 사용하는 농부들입니다. 전기와 TV 자동차 전화 등도 거부하고 말과 마차를 타고 다니며 학교 교육도 8학년까지만 받습니다.

연극은 엽기적 사건이나 아미시의 독특한 삶의 방식 보다는 사건발생 이후 아미시 사람들이 보여준 대응에 주목합니다. 그들은 사건 직후 바로 살해범을 용서한다고 밝히고 살해범의 가족들에게 심심한 애도를 표합니다. 도대체 어떻게 그럴 수 있을까요. 연극은 바로 이 부분을 파고듭니다. 만일 당신의 딸이 저런 만행의 희생양이 됐다면 당신은 그를 용서할 수 있을 것인가? 현대문명을 거부하고 농장에 틀어박혀 지내는 광신도라서 머리가 어떻게 된 거 아닐까?

모노드라마로 쓰여진 원작의 배역을 나눠 짊어진 한국어공연의 일곱 명의 배우들.

극작가이자 여배우인 제시카 딕키가 쓴 대본에선 한 명의 여배우가 1인 7역을 소화합니다. 실제 2008년 미국에서 이 작품이 초연될 때 제시카 딕키의 모노드라마로 진행됐다고 합니다. 한국어 공연에선 일곱 명의 배우가 그 배역을 나눠 맡습니다. 그중 두 명은 만행에 희생된 아미시 소녀입니다. 나머지 다섯은 우유배달부였던 살인범(지현준)을 포함해 아미시 마을 주변인들입니다. 그들 대부분은 아미시를 철저히 타자(他者)로 바라보는 우리를 대변합니다.

공연 내내 아미시 사람들이 직접 나서 이유나 원인 같은 것을 해명하는 법이 없습니다. 20년간 아미시의 친구로 지낸 교수(전정훈)가 그 길안내를 맡고, 총격사건에 희생된 안나(정지은)와 벨다(이두리) 두 자매의 대화를 통해 관객이 그 의미를 스스로 재구성하도록 도울 뿐입니다.

아미시 사람들의 선택은 결코 광신의 산물이 아닙니다. 폭력의 악순환을 끊기 위해 스스로 십자가에 못 박혔던 예수 그리스도의 가르침을 온몸으로 실천하기 위해 스스로 엄청난 고통과 슬픔을 짊어지려는 거룩한 선택입니다. 머리가 아니라 가슴으로 그를 이해하게 만드는 존재는 따로 있습니다. 바로 살해범의 아내 캐럴(구시연)입니다.

광기에 사로잡힌 남편에게 희생된 안나(정지은)가 건내는 꽃을 받는 캐럴(구시연).

희생이 용서로 피어날 때 세상은 비로소 핏빛 복수의 악순환에서 벗어날 수 있다.

자신도 이해할 수 없는 남편의 범죄로 죄책감과 자기모멸감에 빠진 캐럴은 자신과 두 아들을 돕기 위해 전국에서 모인 성금까지 나눠주는 아미시 사람들에게 어떻게 대처해야할지 모릅니다. 그래서 상처받은 짐승처럼 이빨을 드러낼 때도 있고, 자신을 도우려는 손길을 뿌리치며 패악질도 서슴지 않습니다.

그러던 캐럴이 순한 양처럼 변합니다. 안나와 벨다의 아버지가 새벽마다 자신의 입을 틀어막고 자식을 잃은 슬픔과 처절하게 씨름하는 모습을 목격했기 때문입니다. 아미시 사람들이 실천하는 용서가 얼마나 눈물겹고 고통스러운 것인지를 깨닫기 때문입니다. "아프다"고 비명을 지르기 바쁜 자신을 거울 삼아 복수와 폭력의 악순환을 끊고 용서와 평화의 선순환을 만들기 위해 그 고통과 슬픔을 안으로 안으로 삭이는 아미시의 위대함을 깨달았기 때문입니다.

자신들을 죽이고 자살한 에디(지현준)의 불쌍한 영혼을 위해 기도하는 벨다와 안나.

이 연극은 실화를 소재로 하고 있지만 등장인물들은 철저히 작가의 상상의 산물이라고 한다.

연극을 보면서 실로 오랜만에 양 볼이 흠뻑 젖어들었습니다. 연극이 끝날 무렵 이렇게 자문하는 자신을 발견했습니다. 정의의 이름으로 감정적 앙갚음을 해야 직성이 풀리는 현대인과 자신의 슬픔과 분노를 갈무리해 그를 평화의 원동력으로 삼을 줄 아는 아미시 사람들 중에 누구를 더 문명인이라 부를 수 있을까. "눈에는 눈, 이에는 이"를 외치며 복수의 화신이 못돼 안달 난 우리와 "한쪽 뺨을 맞으면 다른 쪽 뺨을 내놓으라"는 예수의 말씀을 행여 실천하지 못할까 기도하는 그들 중에 누가 더 어리석을까. 잊지마세요. 복수가 달콤한 마약이라면 용서는 눈물 겨운 생명수라는 점을.

:i: 6월까지 이어지는 신촌역극제 개막작이다. 2만~3만 원. 4월 서울 서대문구 창천동 더 스테이지. 02-312-9940

침묵과 반전의 연극 <오후4시>

confetti — 2011-03-03 18:43:42.0

아멜리 노통브의 통통 튀는 도발적 소설을 극화한 연극 <오후 네시>. 극단 여행자 제공

오후 4시만 되면 어김없이 찾아오는 손님이 있습니다. 그는 커피 한 잔을 천천히 마시며 무슨 일이 있어도 오후 6시까지 버팁니다. 그 두 시간 동안 그가 하는 말은 ‘예’ 아니면 ‘아니오’가 대부분입니다. 그것도 질문 하나에 30초가량은 뜸을 들였다 답합니다.

은퇴하고 오랫동안 꿈꾸던 전원주택 생활에 들어간 주인 부부는 이 ‘초대 받지 않은 손님’으로 인해 노이로제에 걸립니다. 유일한 이웃의 방문을 예의상 거절할 명분도 없지만 거대한 덩치에 무서운 인상을 지닌 손님의 카리스마에 잔뜩 주눅 들어서입니다.

연극 <고도를 기다리며>의 한 장면. 극단 산울림 제공.

벨기에 출신의 불어권 인기작가 아멜리 노통브의 소설을 연극화한 극단 여행자의 <오후 네시>는 여러 모로 연극 <고도를 기다리며>를 연상시킵니다. <고도…>가 끝없이 반복되는 기다림으로 관객을 압박한다면 <오후 네시>는 무한 반복되는 규칙적 방문으로 관객을 압박합니다. 둘의 공통점은 침묵입니다. 고도가 메신저 역할을 맡은 소년을 통해 ‘방문의 연기’만을 통보하며 침묵으로 일관하듯 과묵한 손님도 최소한의 답변만 내놓으며 숨 막히는 침묵으로 일관합니다.

이 지점에서 이 연극 속 손님은 일본 연극 <억울한 여자>의 여주인공 유코에 필적할 만큼 관객의 답답증을 유발합니다. 그 무의미한 방문을 견딜 수 없게 된 주인 부부(전중용, 김은희)가 벨소리에 응답하지 않자 미친 듯이 문을 두드리고 들어와 자신의 방문을 관철시키는 손님의 집요함을 견디다 못한 관객이 “어휴”, “저런”하고 장탄식을 터뜨리게 되는 것도 닮았습니다. 말문이 트인 관객들은 공연 도중 배우들의 연기에 각종 추임새를 넣어가며 절로 연극에 몰입합니다.

일본 극작가 쓰시다 히데오 원작의 연극 <억울한 여자>. 극단 전망 제공

자, 이쯤 되면 패트리샤 하이스미스나 스티븐 킹 소설의 결말이 떠오를 법합니다. 친숙하다고 여겼던 이웃에게서 낯설고 괴기스러운 타자(他者)를 발견하는 경악과 공포! “타인은 나의 지옥”이라고 했던 사르트르의 저 섬뜩한 세계관을 형상화한 서양의 수많은 스릴러와 호러들말입니다.

하지만 연극은 두 번의 반전을 통해 전혀 뜻밖의 결말에 도달합니다. 첫 번째 반전은 엽기적이라고 밖에 표현할 수 없는 손님의 아내(정수영)를 통해 이뤄집니다. 그녀의 등장은 소설 <제인 에어>에서 극적으로 등장하는 로제스터의 부인을 연상시킵니다. 19세기 유행한 괴기소설의 전통에 충실한 이런 반전은 연극이 완벽한 부부의 보금자리로 이사온 이웃의 끔찍한 정체가 밝혀지는 할리우드 영화 <퍼시픽 하이츠>(1990)처럼 끝날 것이란 예감을 안겨줍니다.

정체불명의 이웃으로 인해 완벽하던 보금자리가 지옥으로 바뀌는 것을 경험하는 부부를 그린 영화 <퍼시픽 하이츠>

연극은 여기서 다시 반전을 펼칩니다. 두 번째 반전은 손님의 집요함에 거의 미쳐버린 남자 집주인 에밀의 극단적 선택을 통해 펼쳐집니다. 겉보기엔 끔찍한 괴물이 된 타자와 정면대결로 보이지만 그 속사정은 정반대입니다. 타인의 고통에 진정 공감할 때 비로소 물아일체(物我一體)의 경지에 이르게 된다는 지극히 동양적 결말을 담고 있기 때문입니다.

지난해 ‘마릴린 먼로의 삶과 죽음’으로 연출 데뷔한 조최효정 씨가 각색과 연출을 맡아 1인칭 독백체의 관념적 소설을 숨 막히는 입체적 무대언어로 탈바꿈시켰습니다. 손님 역을 소화한 신인배우 이정수 씨는 지난해 연극 <킬 유? 킬 미!>에서 너무 희화화됐던 자신의 ‘비범한 이미지’를 180도 전환해 강렬한 존재감이 무엇인지를 확실히 보여줍니다. 집주인 부부로 출연한 전중용 김은희 씨의 안정적 연기가 그 버팀목이 돼줍니다.

독특한 외모로 강렬란 존재감을 안겨준 이정수 씨와 그와 대비되는 신경증적 연기를 펼친 전중용 씨.

아쉬운 점은 초대받지 않은 손님으로 인해 금슬 좋던 집주인 부부 사이에 금이 가고 결국 날카로운 파열음을 내게되는 심리적 묘사가 치밀하지 못했던 점입니다. 몸은 어른이지만 정신은 아이와 같았던 두 사람이 '손님'이란 이질적 존재를 통해 비로소 진짜 어른으로 성장한다는 소설의 메시지를 연극에선 제대로 살리지 못했습니다. 극장 사정상 개별 캐릭터의 내면으로 초점을 이동시킬 조명효과를 제대로 살릴 수 없었던 점도 못내 아쉽습니다.

조최효정 연출은 대학생 시절 이 작품을 연출해 대학연극제에서 연출상을 받으면서 본격적으로 연극판에 뛰어들 자신을 얻었다고 합니다. 그만큼 애착이 큰 작품이라 평생 갈고 닦고 싶다는 각오를 밝혔습니다. 이번 공연을 위해 작가와 라이선스 계약을 체결하면서 연극판에선 제법 큰 돈을 투자해 3년치 계약을 맺은 것도 그런 심모원려가 담겼다고 하더군요. 그래서 더욱 다음 무대가 기대되는 작품입니다.

2만 원. 6일까지 서울 종로구 대학로 정보소극장. 02-889-3561,3562